探秘！2021成都双年展8大版块之“多态共生”！

你知道吗？作为现象级的大型艺术活动，本次成都双年展由8个主题展版块、1个美术馆馆长峰会和17个平行展版块组成。

其中，主题展分为“多态共生”、“家园共栖”、“智能共振”、“时潮共燃”、“生态共度”、“意匠共鸣”、“民族共情”、“美育共线”8个版块，从艺术思潮、建筑营造、生态意识、时尚趋势等不同侧面展现“融”的视觉表现。

值得注意的是，每个版块题目都有一个“共”字，讲的是艺术创作实践上的共识，讲的是不同范畴中事物的和生命的共生，通过“共”的形态体现“融”的理念，是这次展览的最大特点，包括展示，也是打通了美术馆的内外空间，使艺术品与环境交融。

那么，就跟着小编一起深入地走进这八个版块吧！

首先我们进入的便是第一版块，“多态共生”（Polymorphic Co-Existence）。这个版块由成都双年展的总策展人——中央美术学院院长、中国美术家协会主席范迪安领衔，艺术史家、艺术评论家、艺术策展人吕澎，中央美术学院美术馆馆长、教授张子康，中央美院实验艺术学院院长邱志杰，湖南师范大学美术学院教授、中国美术批评家年会秘书长杨卫，湖北美术馆馆长冀少峰担任联合策展人。

孔子曾说，“君子和而不同”，这体现了中国古典哲学对于多样性的尊重。所谓“多态”，既指从国家、民族、地域等方面呈现出异质的、无限丰富的艺术形态和样态，也代表持续更迭和转换。而“共生”表达的则是多元文化的共存、共融、共通与互依，它是一种价值观念，强调更为宏观的全局视野。

▲丹尼尔·布伦，被弯曲的蓝色，蓝色胶粘剂乙烯基，尺寸可变，2013

可以说，这个版块是人类文化多样性的具体反映，邀请了来自中国、英国、法国、德国、比利时、荷兰、冰岛、加拿大、韩国、阿根廷、哥伦比亚、古巴12个国家39位艺术家的最新艺术创作。

在这个展厅里，我们可以看到安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）经典的不锈钢作品。这件不锈钢制的圆形凹面雕塑将观者与周边环境引进对话，在寂静澄亮的不锈钢镜面与无止变幻的周边环境间相互碰撞，营造出固体的流动性与瞬时感。“这些碎片看起来非常活跃，处于不同的变化状态中”——卡普尔将碎片化的镜面定义为充满活力的物件。

▲安尼施·卡普尔，随机三角镜，不锈钢，树脂，180×180cm，2013

丹麦/冰岛“网红”艺术家奥拉维尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）关注于人和城市关系，擅长视觉与沉浸式体验创作。艺术家为此次双年展带来的作品是《你正发生的，己经发生，即将发生》，七盏彩色聚光灯对准一面墙，组成了这件围绕着光线、阴影、颜色以及它们与观众形式的互动的装置。卤素灯每隔一段时间就排成一条直线，由作品和它们发出的彩色光组成，放置在一个等待激活的空间中。当参观者进入装置时，这种激活就产生了——观众的影子在墙上以7个剪影的排列形式出现。这些精确的轮廓会随着观察者的移动，产生颜色强度和比例的变化，从而用颜色和光影点染出时间的流动。绚丽的色彩和与人精彩的交互，堪称本次双年展必打卡之作！

▲奥拉维尔·埃利亚松，你正发生的，已经发生，即将发生，卤素灯、色效过滤玻璃（黄、绿、蓝）、铝、变压器，尺寸可变，2020

卡斯滕·霍勒（Carsten Höller）的《十进制时钟（鲑鱼红和诺维亚金）》同样是小伙伴们不容错过的打卡之作！在成为一位艺术家之前，他是一位科学家。从科学理性到艺术感性，卡斯滕一直试图在用他的方式对“真理”进行解答。在这件作品中，运转的时钟以10小时、100分钟与100秒为刻度，提醒着我们：全球时间同质化，作为对万物相关性达到空前程度的回应，仅是近期发生的。

▲卡斯滕·霍勒，十进制时钟（鲑鱼红和诺维亚金），霓虹灯、铝制结构、电线，100×446øcm，2021

作为英国最负盛名的后现代主义艺术家，今年73岁的托尼·克拉格一直被艺术界认为有取代雕塑大师亨利·摩尔的势头。本次成都双年展展出了他的《直立》。这件作品的外观，像是许多坚硬的管道或圆鞘重叠在一起，然后被一把无形而锋利的刀削成现在的模样。

▲托尼·克拉格，直立，铝，250×76×67cm，2016

而对于出生于韩国的艺术家徐道获（Do Ho Suh）来说，他最著名的作品便是织物雕塑，半透明的聚酯纤维和连接空间是他作品的重要标识，也在此次双年展为我们呈现。这些雕塑按照他在韩国、罗德岛、柏林、伦敦和纽约的旧房子的比例进行重建，隐喻通往时间、不同文化还有艺术家自身的生活和经历的通道。他研究了身体是如何与空间联系、居住和相互作用的，家庭空间是其关注的重点。

▲徐道获，枢纽，聚酯纤维织物、不锈钢，313.7×1022.4×151.1cm，2017

著名艺术家徐冰带来了《背后的故事：泼彩夏山》，这件作品延续了艺术家自2004年开始创作的系列作品“背后的故事”。这系列作品呈现给观众的是一幅惟妙惟肖的中国山水画，但转向作品的背面，就会发现这幅山水画是通过对光的调配，用干枯植物、麻丝等看似平常的物件所构成的。艺术家称之为“光的绘画”。

▲徐冰，背后的故事：泼彩夏山，干枯植物，垃圾，玻璃，宣纸，802×60×300cm，2021

中央美术学院副院长、艺术家苏新平则带来了他最新的大型雕塑创作——对！就是场馆口那三个人！它沿袭了艺术家90年代以来社会关照的现实角度，这个奔走的形象出自2010年的油画《奔波的人》。艺术家以自身为原型，用仪式化的形式语言在现实逻辑里抽象出这个关于“行走”的肢体动作和面部表情，凝结出某种具有稳定意义的视觉符号。

▲苏新平，行走的人，青铜，500×585×158cm×3，2021

而艺术家张晓刚的画面，总透着一股沉静、深思的气质，还有些说不清的无奈与忧伤。这次成都双年展上的两件油画作品，依然贯穿有“时间”这个张晓刚艺术的核心主题。可以想象，大多数人在看到《2020年三月的某一天》这件作品的名字时，都很容易第一时间想到如今仍在对我们生活造成影响的这场疫情。这也确实是艺术家想要表达的感触。而在隔离期间，张晓刚第一次尝试用极慢的速度去完成一幅画作。那手电筒射出的柔和光锥，朝着天空的方向，也指着未来的希望。

▲张晓刚，2020年三月某一天，布面油画、拼贴，200×105cm，2020

今年春天，艺术家周春芽和朋友们一同游览江西三清山。

他发现三清山的山形很像黄山，但比黄山小巧秀丽，岩壑更显奇峻，景点也比黄山集中，移步换景、放眼如画。艺术家和一同旅行的朋友们分享各自思想和感受之余，也很想要送他们些什么，但这林泉青山里只有清淡缥缈的白云。南朝陶弘景认为这山中白云“只可自怡悦，不堪持赠君。”于是他想：送给他们这满谷云朵、满心欢喜，也是深深的情谊。而这次展出的几件作品就是在这样的背景下创作出来的。

▲周春芽，丹臺春曉，布面油画，300×180cm，2021

谈及中国现当代绘画，何多苓是个无法绕开的名字。自上世纪80年代起，他就被视为国内最具水准且最为独特的写实主义画家之一。当与之同时代的艺术家纷纷涌向反刍沉重“伤痕”的宏大浪潮时，他始终坚持诗化的图像语言，欣然独享前往虚空诗境的孑然飞行。在展厅另一侧，何多苓为本次展览带来了巨大尺幅作品——《鸟飞绝》。这件作品由6幅大画拼接而成，画面被分成两部分，下面是大片的草坡，上面是灰白的天空，一只鸟孤独的飞过，整个画面透出诗歌里特有的忧郁气质。

▲何多苓，鸟飞绝，布面油画，400×450cm，2020

在他们的作品前，我们既可以拍照打卡，感受艺术最直观的视觉冲击；也可以在富有哲思的作品前放空自己的大脑，让自己停留在历史与当代的交织中；更可以通过这些作品反观哲学、社会、生命、媒介、信息、时空等多元话题，通过装置、影像、绘画、雕塑等多种艺术形式来理解和亲身感受我们所在的这个多态混融的共生场域。

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