2022年7月18日，“人间仙境——方力钧水墨”座谈会在西安美术馆举办。此次座谈会由西安美术馆主办，邀请了此次展览的总策划、西安美术馆馆长杨超；著名美术评论家、教授、西安美术学院博士生导师彭德；著名艺术家李津；西安美术学院副院长贺丹；建筑师、西安建筑科技大学建筑学院教授刘克成；陕西省美术博物馆学术委员、美术批评家吴克军；西安美术学院实验艺术系主任、教授武小川；西安碑林博物馆副研究员杨兵；独立策展人、写作者、艺术史研究者杨西；西安美术学院实验艺术系教授、著名艺术家郭志刚；独立艺术家邵泳；西安美术学院副教授、艺术家王风华参加。

人间仙境——方力钧水墨

座谈会

人间仙境——方力钧水墨

座谈会

此次座谈会，围绕艺术家方力钧水墨艺术展开分析与探讨，通过对艺术家方力钧水墨的艺术语言、表现形式、当代精神价值等问题的讨论与梳理，从而打破了传统水墨对人物肖像进行表现的尺度和边界，为现当代水墨创新发展提供新的观看视野与思考。

‍彭德

美术评论家、教授、西安美术学院博士生导师

画家笔下的画像都是他自己。方力钧画人间仙境，画了很多人像，其实也是画他自己。仙境是同道教联系在一起的。唐代和宋代的国教都是道教，合计将近600年。唐宋的绘画、笔记、小说和其他艺术作品，描绘的仙境是青山琼阁，苍松白鹤，祥云缭绕，还有龙虎鹿三跷。没有这些元素，仙境无法显现。方力钧的人间仙境，不是画的物，画的是人，画他自己，画他的亲友。每个人对仙境有自己的定义，比如学者的仙境在书房，画家的仙境在画室。方力钧这些作品都是在画室里完成的，画他自己，画他的亲友，画一切和他的画室和画有关系的人。这就是他心目中的仙境。其实仙境始终是虚构的，它永远不在场，它永远在地平线外，它是中国人活着的理由，实际上现实世界非常险恶，到处都是战争或者灾难，人类几千年大都在地狱中生活。我们追求仙境，我们离仙境不是越来越近而是越来越远，这是人类文明的悖论。我们追求它，它远离我们。所谓仙境，不过是现世的反相。

方力钧画的是中国人，画的是人际关系。仙境的反义词是地狱。萨特有一部剧本叫《禁闭》，写一个男人死了，下了地狱。地狱不过是个方盒子建筑，房间内没有遮挡，上面悬挂着一盏长明灯。房子里有两个女鬼。当他和其中一个女鬼表示亲热的时候，另外一个女鬼就发出各种各样的声响加以干扰。男子于是发现没有地狱，第三者就是你的地狱，他人即地狱。这种状况在中国尤其明显，一个人的成功往往是其他人失败的标志，结果人际关系变得脆弱和险恶。

方力钧是性情中人，他画的都是朋友们和亲人们的性情。其实，你有什么样的心态，你就有什么样的境界，你就会发现别人相同的性情。苏东坡说趺坐的佛印和尚像一坨牛屎，佛印说苏东坡像一尊佛。两人对人的判断不同，看人就不相同。方力钧表现人的性情，只有朋友间、亲人间才能自然流露的性情。这种性情有时是把人格面具撕开来的一种性情。每个人都有面具，比如做父亲的面对子女是一幅面孔，面对领导是一幅面孔，面对下属是一幅面孔，面对老婆、情人又是一幅面孔，这种面孔你是不能够互换的，否则你就是个疯子。可是你的面具转换太频繁，就很可能是一个虚伪的人。

为什么方力钧这些作品那么真实、那么感人？就是他扯开了那些不必要的面具。一个人的面具太多，一定是狡猾的、不可交的人。他画的那些表情，焦虑、无奈、惊悚、疑惑，是我们每个人都有过的表情，我们看到这些不同的表情，会反思我们自己境界。中国古代画仙人，比如八仙，他们的身份都不同。比如曹国舅是皇帝的舅舅，韩湘子是韩愈的侄子，吕洞宾也确有其人。吕洞宾是好色之徒，中国人喜欢吕洞宾，因为大家都是好色之徒。方力钧的笔下让我们看到人的真实的一面。五代石恪画过三笑图，据文献记载，他画的每一条衣纹都在笑，这让我想到了方力钧的作品，他的画，好玩之外或者好玩之内有一种让人深思的品格。

平时我们接触方力钧总是嘻嘻哈哈在玩耍，其实勤奋得不得了。有一次他跟我讲，他在疯狂的读书、恶补。实际上以前一直在读书。现在美术界有一种现象，就是反智，反思想，这是很有问题的。前不久我看了陈丹青的一个抖音，陈丹青的抖音绝大部分非常精彩，但是有一个抖音我大不以为然，他说他看过一幅中世纪的画，看了几十遍都没有感觉，一晃而过。他嘲笑自己是有眼无珠。我想一幅画看了几十遍没感觉，不可能是好画。陈丹青对于中国文人和青年学子的影响超过了中国批评家年会影响的总和，但是有时候会误导年轻人，比如他反思想的言论。

我看展览我都很惊讶，有1000多幅作品，布展时只展出了300多幅。我觉得可以从上到下排满，把那些作品全部都展出来。我喜欢小画，小画比大画好，水墨比彩墨好。

艺术家 李津

每个人对方力钧都有自己的理解，我只能代表自己的观点。方力钧的创作没有局限在所学的专业上，这当然也和他的版画专业出身有关。如果给方力钧的各种艺术创作排名的话，版画还是排第一的。他的版画语言有独到的特点，同时版画的创作必须要具备很强的整合能力，整合的过程中又要有技法上的加工，要有形式上的要求，大尺寸的运用，这几点方力钧在水墨创作中都有所体现，而且这两边都沾了其他画法的光。单就方力钧某一类创作方式来考察，至少他不并是真想在这个种类里面往死里走，各种绘画语言还是唯我所用，语言为表达服务。

在方力钧身上有很多冥冥之中自有天意的东西，他有很多早期的作品和资料都丢了，后来能找回来，还能保存的这么完整。要么就是他的父母特别有心，要么就是方力钧有意识和担当。甚至一些照片和资料上都标注着地址和日期，这些所有的准备就好象等待着某一天的重现。方力钧在邯郸开始自己的艺术生涯，慢慢从那个小地方出来往外走。理性和感性两方面的出走都有，而且这两块都特别全面。比起具体谈方力钧的画，我还是更愿意从艺术格局上来看方力钧，他有很大的格局和担当。一个人肯定有很多修炼的方式，方力钧的修炼方式肯定不是是天天埋头苦干，他的脑子每时每刻都在思考。换一般的人早就累了，但方力钧又非常执着，严肃认真并勤劳的执行着他的思考。可以说方力钧的艺术是丰富的思考和单纯的表达完美结合。

刘克成

建筑师、西安建筑科技大学建筑学院教授

方力均是我非常尊敬的朋友。我们都是六十年代生人，上世纪八十年代进入大学学习，伴随着中国改革开放，逐步从青年步入老年。方力均的才气，其他人已经谈论很多，我欣赏方力均是他始终与这个社会保持一定距离。“星星美展”他还没来北京，“85新潮”他是一个旁观者，“89中国现代美术大展”他也处于边缘。从上世纪80年代到现在，方力均与中国艺术的多数主流话题都保持一种若即若离的距离。即使上世纪90年代，艺术评论家给他扣上“玩世现实主义”的帽子，他也采取一种既不否认，也不承认的态度。就像这次展览，你说他是水墨还是不是水墨？是创新还是其它？当别人激烈争议的时候，老方的态度也很暧昧。他总是一种好像打太极的方式，规避各种社会和艺术激流，化解来自各方的力量，而自己游刃于其间。

他的绘画题材选择也体现这一特点。在别人努力表现社会变革的重大历史题材之时，方力均只是专注于画自己，画朋友，而且背景语焉不详。就像这次展览，所画对象的地点、背景都被遮蔽了，时代的风景似乎全在脸上。这是现实主义，因为他画的每个人都是真实的存在；这又与现实主义无关，因为他的画面与现实社会的发生的任何事件无关。特别有意思的是面对各方质询，方力均总是以非常不艺术家的方式回答：“我的朋友有意思”，“我觉得画朋友有意思”。在现实生活中方力均就是一个爱喝酒、爱吃肉、爱交朋友的哥们。但仔细观察，他始终保持一个艺术家的敏感，当别人忘乎所以地喝酒吃肉之时，方力均时常富于侵略性地将手机伸到你脸前，捕捉你生动的一瞬间，这次展览的肖像大多都是这样产生。

观看方力均的肖像作品非常有意思，我们这些被画的人喜欢看他画的肖像，看着似与不似的自己，你会浮想联翩，方力均帮助我们重新发现自己。那些没有被画的人也喜欢看这些肖像，看着那些你熟悉又不熟悉的朋友，你会因方力均的启发而会心一笑。即使那些谁也不认识的路人，面对这些扯去面具的人物，也会产生诸多快乐。那种感觉与人们走在街上人看人的心态非常相似，没有崇敬，没有愤怒，只有发现。方力均记录的是身边的人，自己的生活，艺术评论家却把他及他的作品作为当代中国具有典型性的标本。方力均用他的作品拓展了我们对自己、对他人、对日常生活的认识。

十几年前我在纽约古根海姆美术馆参观了毕加索黑白艺术展，那个展览展出几百个毕加索黑白绘画、雕塑等作品，看完展览我发现毕加索展出的作品70%是他的情人，15%左右是他自己，还有5%是他的工作室的景物。以空间论毕加索创作的题材95%都是距离他10米左右的东西，这与方力均的状况非常类似。这说明一个问题，其实艺术家画什么并不重要，怎么画才是关键。

不要梦想这个世界有什么伟大的题材在等着你，不必跨越千山万水去寻找奇迹。对一个艺术家而言，最重要的东西就在你身边，就在距离你10米之内。所谓当代性，不是一种教条，不是一种规范，更不是一种标签，它就是围绕着你的空气，你的日常生活。你呼吸它，触摸它，坦露你的灵魂面对它，并以自己的感知探索和描绘它。如果你足够自由，足够执着，足够敏感，如果你在拓展自己对这个世界的理解的同时，也拓展了人类对这个世界的理解边疆，你就是艺术家。这是方力均给予我的启示。

吴克军

陕西省美术博物馆学术委员、美术批评家

关于展陈

“人间仙境——方力钧水墨作品展”的展陈和一般所见的展览有所不同，增加了立体展陈的部分，观看不再只是纯粹站立的与墙面平行式的，有一些作品需要采取俯身观看的方式，这个变化会使观者产生一种新鲜的心理体验。但也有一部分展品的陈列，忽视了观看与作品的关系，在观看角度、互动性方面还是有所欠缺，这可能是我求全责备了。另外，展品数量的问题，确实是有点太多了，我们当然也不能说一定要求像俄国库因芝一样去做一幅画的展览，这与观众的期待偏离太远，但展示作品需要考虑多与少的辩证关系、效果达成的最佳化、对观者满足感与饥饿感的判断，以及对作者及其作品研究的影响等等问题。作品展览不只是一种呈现，它还关涉着诸多学术问题。展览本身永远是遗憾的艺术，但本次展览的展陈在总体上有突破，这值得肯定。

关于方力钧的工作方式

从这个展览我能判断出来方力钧的工作方式，他采用突然的侵略式的抓拍获取大量突如其来的视觉图像，通过凝视，进行对象的反复审读和研判，抽绎出最具精神性和符号化的对象特点，然后再进行多方式的方力钧式的构形。方力钧的工作方式本身最特殊的有两点，第一个就是侵略式的抓拍，第二个就是精神性的提取，这就与其他人物画家拉开了距离。

很多专家谈到方力钧的勤奋，我个人以为，对于画家而言，勤奋只是最为基本的要求，而画肖像是否能进行精神性的提炼、注入，能否画出人格、人性，这不是勤奋能够解决的问题，在作为工作基本要求的前提下，不需要过分强调艺术家的勤奋，这不是艺术家与艺术家的差距所在，如果画家进入不到艺术思考的程序的话，绘画不过就是一个重复性的工作而已，这是我们美术界的常态。所以说更重要的是思考，艺术家本身应该是一个思考者，这个方面方力钧有其作为方力钧的意义。方力钧绝不仅仅是因为勤奋而成为方力钧的，基于思考而形成的思想才是决定性因素。他始终试图做一个领跑者，这客观上要求他必须不断思考，思考是领跑的充分必要条件，

关于方力钧的作品

我个人观察，方力钧作品的画面有这样一些特点：第一、他大多数围绕眼睛、嘴唇和手展开漫画化的人物表情的强化或弱化，并透露出心理信息。他的作品当中有一些大小眼，有一些纯白眼，有一些对眼，有一些雀朦眼，有一些很对称，有一些很不对称，但极为传神，各具形态的手和嘴唇也一样，方力钧笔下每一个身体部件都充满表情。第二、方力钧毕竟是方力钧，他坚持他个人的主导性，他与对象之间保持了一种平视甚至侧视、俯视的姿态，对人物的日常化即非崇高化、陌生化即非常规化处理，达成生中熟、熟中生的高妙效果。这是方力钧“嘴里无生人、心里无熟人”观点在画面上的完整体现。第三、他有意地进行一些局部夸张和变形，并且有意识的使用一些冗笔，从绘画规则、原理本身来说可能某一笔、某一个具体表达是不对的，但不这样就不足以形成画面的冲突，就无法达成出人意表的戏剧性和谐谑性，所以说天才是有特权的。第四、方力钧特别善于通过强化面部细部一个个小块面的油画式关系处理，使得人物的形象有超出本人本相的纵深立体效果。可见他有强烈的形式企图，我个人认为方力钧的形式建构是成功的，通过展出的三百余幅，和未展出的七百余幅，已经形成了方力钧式符号化肖像。第六就是他有少部分人物的波普化处理，其中有强烈的玩世意味，这与他个人的艺术史有内在的不可剥离的逻辑关系。

衍生话题

1、人们进入到“人间仙境”这个展厅里面会有意识无意识的要寻找自己，这个可能会形成以后我们生活当中的某种常态，就是再次发现自己、认识自己，自己作为他者，自我的真实性，他人怎么样认知自己，自己与他人谁看得更加符合本然等等，因由这个展览，以后我们会常常在头脑当中思考这些问题。

2、展览主题人间仙境是由方力钧自己命名、自己题写的，从中见出他对待生活和对待朋友的态度，哲学上有一个观点：他人即地狱。方力钧采取了相反的认知。有一句话这样说：你如何对待生活，生活就如何对待你。方力钧是把情怀放进了艺术里，这对于开拓艺术界域有重要的意义，也是研究方力钧如何成就方力钧的一个重要视角。

3、方力钧的水墨人物肖像画在某种意义上是一个艺术家的交游史，这也是很有意思的一个维度。当然还有其它角度可以展开论述与研究，我当然还希望方力钧是说不完的方力钧，艺术作为文化生产重要方式的根本意义恰在于此。

4、一个被时间和历史认证的艺术家，一定是有画出人性、时代性、民族性、群体性特征的能力，否则只是一般性的画家或者画坛的芸芸众生而已。方力钧在“玩世现实主义”时期，画出了当时社会某一人群、某一社会阶层的行为和心理共相，这是无可争议的具有史的价值的贡献。这个展览中的作品同样画出了一个人群的真实，因为我们见多了没有灵魂的“类人形”的图像，所以说这是方力钧的又一贡献。

整体来看，艺术最终还是人和人性的呈现，方力钧的水墨人物肖像画在绝对意义上映射了知识分子阶层去除矫饰的心理状态，客观上具有哲学意味，比如本我、“人的真实”、非是而是的辩证、自我的认知困境、个性在共性中的消解与坚持等等。方力钧水墨晕染下知识阶层的众生相，无疑具有社会学和艺术史的意义，当然，这也同时指向了思想史。

武小川

西安美术学院实验艺术系主任、教授

方老师这个展览，有两个方面可以去观察，着眼于展览本身是一个方面，而另一方面是在西安办展览，都会让我们产生了一个想法或者一种想象——这个展览之于西安的当代艺术或者西安的艺术是什么样子，这是两个维度。

第一方面是方力钧的展览，着眼于展览本身从专业角度上来看待，包括策展人、包括整个展线设计，包括展览的叙事结构等等。我觉得这是一个比较职业化的展览，也是一个这个时代能够拿得出手的好展览，在西安美术馆真正意义上能拿得出手的具有当代价值的好展览，确实达到了某种完美的程度。个展的丰富程度、呈现系统都非常好，画面的完成度也很好，而且是这么大量的完成度都是非常好的。这样的展览对于一个艺术家来说，是比较到位的。作为观众在现场体会如此之多的作品构成的叙事结构，还是挺有触动的，这种作品或者这样的展览给我们很多思考。作为艺术家的我们，自己要做展览，有一些细节很有启发的，这样的展览对于艺术家来说是个很棒的体验。

方老师的画我仔细看了，也反复思考关于“水墨”的问题，这个问题在西安有着某种天然的“气场”，在西安讨论水墨会多好几层维度，好像西安对艺术中的水墨问题“腰杆特硬”，说到水墨问题的时候感觉底子也很厚重，再加上西安有很多自身历史和传统的骄傲。因此在西安谈论水墨是很有挑战性的。方力钧的水墨表达方法，呈现出来的是长期从事绘画、长期用骨子里的功夫和对造型的把握，借助了水墨材质来塑造他的朋友、他的世界、他的人间百态，这是最核心的。我自己觉得“水墨”于此的意义不在于学科和中国画系统之内的概念，而呈现某种具身性，就是能随时出手、随时写生、随时把握、随时处于艺术的状态里的介质，这个是很重要的。同时，方老师是一个很活泼、很放松、很快乐的人，但他的作品并不松散，每一张画都能凝神聚气，他能于很热闹的环境中，特别细腻地画深入，特别能把画的“气”凝住，这个很棒，这是非常到位的“职业性”的体现。无论处于什么环境，跟别人聊着天，和别人热闹着，但当他开始画面时还能凝练到这条线上、能凝练到这个小细节中，甚至是能凝练到画面造型上的“沟沟坎坎”。我们都是画画的，都明白“凝神聚气”这一点，是非常不容易见功夫的，所以对于我们艺术家来说很有触动。

本次展览，我认为展陈设计挺到位，比较完美。从一开始的细节到最后的系列，从各地的朋友圈——他自己很重视的圈子，有点像日记化的交友录一样，就像过去的明清人写的笔记小说杂谈日记，作品就是他的交友方法、交友杂谈。画面里面是每个人的故事，我想这对他来说是非常有意义的。这种展现的方法我觉得很到位，西安美术馆那个大空间，做了一次很难得的尝试，空间舒展，线索清晰，层次关系疏密有致，确实符合当下的观看方式。有能近观的，有能能远眺的，特别符合现代人的观看形式。包括展墙厚度和画面大小的关系都控制得很有意思。我有一个体会，这次作品展陈的量很大，从一个标准化的展览来说，感觉量有点过大了，这是因为方老师的工作量确实是让人佩服，我觉得这种职业性、工作量和丰富性确实是很舒服，其实，作品多作品去填满也很舒服，和他交友的丰富、和他人生的丰富是相匹配的。

方老师这个展览对于西安美术馆来说特别有意义，按照十年的时间来说，我们见证了时间的历程，年轻的艺术家、批评家也成长起来，这是对十年的见证。但可能艺术圈的玩法还没有变，但是社会却变了，这也是我们面对的一个现实，就是快速变化的社会正在对文化艺术提出更多的“索取”的要求。我们最近都在“疯狂地”找自己的可能，我们在乡村、在城中村，我们在做乡村艺术在做社区艺术节，其实都在寻找为这个城市文化奠定了什么。而美术馆能为未来、为当下做些什么？这次又是一个方力钧，通过他，想起了西安美术馆十年前的展览，想起十年来当代艺术在本地的处境和发展，十年的历程，我们今后还要面对的是什么？或者西安美术圈的人要面对的是什么？这个具有时间和特征意义的展览，特别让人能产生联想。但我感觉挺好的一点就是有像杨西这样的年轻一代坐到桌子上，一块参与到当代艺术的“饭局”中了，这是最有意思的。我觉得，应该更多更快地鼓励年轻人去做，大力的去推进他们扶持他们的事情，希望再过十年，这个艺术的餐桌上能坐满一代一代出色的新青年。

有时候我想，西安美院或者西安美术界缺乏非常清晰的代际传递，现在的艺术界中的年龄结构真是不理想，真的是应该大力去改变，大力的给年轻人创造机会，这才可能把代际观念塑造好。我希望美术馆未来能对青年艺术家一代的推进上再起到更大的作用，在美术项目、美术展览、美术活动的推进中，应该让新一代的艺术家、策展人能够与这个社会匹配在一起，创新展陈、展览和主题塑造的方式，使得美术馆成为价值和文化输出的主要推动者，希望西安美术馆更好地发挥这方面的作用。

杨兵

西安碑林博物馆副研究员

第一，关于策展。方力均老师展览的成功之处在于展览策划具有极高的周密性，这体现在各个方面和各个环节。对于西安美术馆，这个展览可以作为一个节点。为什么这么说呢？杨超馆长应该更有体会，可以说杨超馆长是伴随着美术馆的发展而成长起来的。美术馆运营初期，在很长一段时间里，定位是杨超馆长纠结的问题。经过十几年的思考，逐渐明确了当代艺术的办展方向。到今天，通过这个展览完全体现出了西安美术馆的运营理念及对展览理解的成熟程度。对当代策展人应该具有综合素养，是全科人才，要从全方位、多环节进行负责，这是策展人的职能。然而现实状况是，大多数策展人的工作仅停留在写前言和组织研讨会上。实际上，一个好的展览应该是全方位的精细策划，包括对展览空间的规划，更重要的是要把策展思想结合到展览空间的设计上，这体现出的是策展人的素质。所以，从这个意义上来说，这次展览的成功是全方位的，不仅仅是因为方力钧老师的作品具有超强的感染力，或者是通过作品呈现出艺术家专注的工作状态。这个展览在空间规划上充分体现出了用心之处。几年前，方力均老师在798艺术区举办的版画展，展览作品尺幅特别大，是在一个特别开阔的空间里展示的。开幕当天去的人也很多，有点集市的感觉，人头攒动，观感不是特别好。而“人间仙境”这个展览通过对西安美术馆原有展厅空间的重新规划分割，做到了该凝聚的地方使人的注意力聚焦到一件作品上，该开放的地方让观众放眼感受尺幅巨大的作品。展示方式是多维度、多形式、多手段的，是有目的性地引导观众，对阅读作品起到了升华的作用。这一点在整个观展过程当中体现地尤为突出，展现出的是策展人对作品的解读。所以这个展览的成功之处就是内容和形式的高度契合。

第二，关于展览作品的艺术价值。首先这些作品都是以一张张人脸作为关注点的，艺术家从不同的角度表现了每张人脸的独特状态。从创作手法看，以单个人脸作为元素，经过组合而拼接成具有一定形式感的作品，这种手法是大众化的。而方力钧老师的作品看似都是对人脸的描绘，但是角度和社会性是不一样的。生活中的方力均老师常常在与朋友交往的过程中，拿出手机近距离不停地拍身边人的头像，这种拍摄常常会产生一定程度的变形效果，他把创作与自己的生活紧密的结合，生活过程也是创作过程，对问题的专注、对艺术的投入是他真实的生活状态。这批作品中每一幅作品的语言形式都有所不同，独立性特别强，有纯水墨的，也有波普意味的，有常态的，也有荒诞的，充分体现出艺术家对形象把握的敏感性，以及运用艺术语言的自由度。这与我们惯常所看到的对人脸的描绘是完全不一样的。其次就是关于当代水墨价值的判断。当代水墨与中国人所熟知的“六法”没什么关系，用“六法”理论来评价当代艺术作品，是一种谬论。因为当代艺术有独立的评价体系、价值标准和表达语境，而不是说我是中国人，拿水墨这个材料创作，就要跟“六法”相关联了，这与当代水墨的价值体系完全是背道而驰的，二者之间的语境完全是不同的。方力均老师作品的当代性体现在具有突出的社会性。在西安，人们常常对社会性、人民性、生活性的解读显得的特别狭隘，解读内涵与当下社会人的真实状态已经没有什么关系了。今天，通过这个展览能够特别体会到社会、人民与生活这三个词在当代社会下的当代含义。思考如何把艺术与生活结合，如何将艺术成为个人生活的写照，如何通过艺术行为表现自己真实的生活状态，进而反思社会问题，这是当代艺术要体现的最为核心的价值取向。

最后，关于展览主题——“人间仙境”。对一般人来说，看到“人间仙境”这个展览主题，自然会感觉到是一个具有浓厚中国传统文化色彩的词语，如果不理解方力钧老师作品的特点，很容易会将”人间仙境“这个词跟传统山水画联系到一起。可是我们看了展览之后，才理解了方力钧老师是用了中国化的词汇来反思当今社会中的社会问题，把社会问题浓缩到“仙境”两个字上，说明他自己对创作这批作品的定位和认知是特别清晰的。“仙境”充分说明了方力钧老师对社会问题的理解。所以这个展览主题跟作品的契合度是极高的。这个展览是从方力钧老师上千幅作品中挑选出来的约三百幅作品，这三百幅作品就是浓缩的“人间”场景。如果我们有更大的空间把他所有的作品都呈现出来，这难道不就是一个真实的“人间”吗？所形成的这个场域不就是“仙境”吗？据杨超馆长说，“人间仙境”这个展览主题是方力均老师自己拟的，这充分揭示出艺术家的创作思想，完全符合观众阅读作品的感受。展览主题与作品相融合，是最佳效果。

杨西

独立策展人、写作者、艺术史研究者

我从方老师的展览里看到了方老师的“无奈”和“玩世”。我的解读是通过一种“倒叙”的方式进入这个展览里。那么首先就要从他这次展览的绘画作品中来聊这个事。展览中他画了很多人的脸，这些脸的图像集合构成了此次展览最核心的表达。这让人想到著名的美术理论家汉斯·贝尔廷的研究。有意思的是，他在2013年编写了一本关于“脸”以及“脸的图像”的书，这本书名叫《脸的历史》。在书的开篇他引用了格奥尔格·克里斯朵夫·利希滕贝格的话：“世上最值得玩味的表面乃是人的脸。”；“脸”是集视觉、听觉、触觉、味觉和嗅觉等多种感觉器官的集合，从非器官功能的角度外，脸汇集和代表了感官、社会性、身体表征、个性内涵、沟通传递、与人交流等很多的信息量，成为一种载体或媒介。故而，贝尔廷认为脸首先具有一种观看性，是透过目光汇聚而成的并成为一种表达的途径（Ausdrucksmittel）。同时，脸也是遗传与后天训练的结果拉扯的象征；时而显现时而伪装。因此，我们会发现支配人的很重要的东西是大脑这样的器官，但是人的“表达”、尤其是“自我”表达则是完全呈现在“脸”上面的。在当代文化中，“肖像”这个概念其实是在被现实的技术所消解，“脸性社会”（faciale　Gesellschaft）在大众传媒（电视、网络、诸如微信等社交媒体）中不断贬值，无论被怎样构建和追忆，但脸仍一如既往地构成了我们身体的一部分同时也是我们借以进行自我表达的工具，脸确立了我们“自我”表达的身份认同，并由脸本身作为载体来传达出了具体的信息和文本。

当我们理解汉斯·贝尔廷这一观点的时候，再次回到方老师展览本身。当这么多脸呈现在眼前的时候，每张脸就会衍生出一个很强大的场域，这其实就是我们之前所述的信息和自我载体的呈现，具有一定的“可阅读性”或者我们说的“技术性”，信息全都写在我们看到到的脸上。而方老师也正在利用他的艺术语言和表达，千方百计地为这些肖像寻找到相应的当代形式和合法性。当这些值得玩味的脸集中在展厅里的时候，你会发现其实方老师的艺术精神并没有什么变化，他还是那个“玩世现实主义”的方老师，他只不过把很多人的人群拆分成了个体，在这些个体当中每张脸又形成了新的文化聚集地或者另一种“群体”的概念，脸不再是表象的内容，它更像人和人集合的舞台和剧场，正如贝尔廷在《脸的历史》中的描述：“脸本身是极其复杂的表面，与其说是人物内心的镜子，倒不如说是其角色扮演的舞台”。整个展览也是充满了这样一个舞台性的状态，所以我认为展览名称中“人间仙境”的概念以及运用“水墨”这两个词的内核还是“玩世现实主义”的观点。尤其是“方力钧水墨展”，在西安这个水墨重镇来看，他实际是做了他的调侃，在他的系统里他其实从没有偏离过“玩世”这个概念、这个状态。我们仔细想想，对于方力钧这样的艺术家而言，材料概念是完全可以抛弃的。而“人间仙境”则是其对人世的一个观察概念。我们发现，手机摄影改变了方力钧对于绘画上的理解，研究视觉技术史的人都知道，整个视觉技术史对于观看和绘画史产生的影响很多，比如早期的蒙克、高更、梵高等，其实对相机的使用改变了画家对于绘画的理解，克拉里（《观察者的技术》）、马丁·杰伊（《低垂之眼》）等哲学家都做过这方面的研究，以及像大卫·霍克尼这样的艺术家也对观察技术进行了详尽的探究。今天移动摄影的发展其实给予了方老师这批作品丰沛的图像语言，近距离的人像摄影以及移动摄影特有的形体畸变成为了抵抗“再现的本质”以及摆脱当下社交媒体廉价的叙述。转而成为肉身形态在场的最好证据并在环境中获取一席之地。我们发现虽是移动摄影现行的工作方式，但方老师的作品呈现出的感觉是他替代了他所绘之人的外观，却又没有使其混同于戏剧表演或是肉身性在场的素材。故此成为了一种他所理解的“境”。“”与之不同“”方为“人间仙境”。

因此，我们再回到大的展览中，它披着“水墨”的表象，以“脸的图像”的集合方式来强调观念性的实质内容。而展览的主题还是那个“玩世”的方式，还是那个给我们揭露现实中种种情绪所带来困惑的方力钧，只是他换了一种方式，把自己的玩世隐藏在展览表面下，我觉得这个是很有意味的，或者说是很高明的一种方式。

郭志刚

西安美术学院实验艺术系教授、著名艺术家

首先“人间仙境——方力钧水墨”展览，我感觉以杨超为总策划的团队、策展人鲁虹针对方力钧具有很鲜明的时代人物水墨作品，以一种别出心裁的策展空间理念非常完美展现了方力钧的水墨作品。方力钧作为当代中国最著名艺术家，他新创作的水墨作品如何在西安美术馆这个空间呈现，总策划、策展人包括年轻的策展团队应该非常熟悉方力钧的每幅作品。

因此，把方力钧大幅作品与小幅作品的布局，用类似于中国古代园林式的方式，即一个空间采取一个新的视觉呈现，这就是展陈的现代性。而这种展陈的现代性它是在外表现代的建筑立面呈现出一个非常强烈的和方力钧这个作品本身具有一种共同的完美性。

我在想，一个艺术家尤其是一个特别优秀的艺术家做展览的过程之中，美术馆和这个艺术家的关系非常密切的，就像我2021年4月在北京798亚洲艺术中心看陈琦和沈勤双个展的时候，里面的展陈设计和空间是由香港著名建筑师给他们做的展陈设计，展览里面也是那种暗色回廊空间，在展览的整体空间里，随脚步的移动一会儿看到了陈琦表达的南京某个园林的画面，一会儿又看到了沈勤那种开阔的像山水画的意境园林，都是不同于苏州园林的感官视觉美感。

这次展览最大的成功点就是空间设计完美体现了方力钧作品。无论是方力钧展览也好，陈琦和沈勤展览也好，空间环境的布局会为艺术家作品的呈现制造一个非常好的舞台，并在这里得到完美的体现。

我昨天晚上看凤凰卫视台《名人面对面》节目，田川和腾格尔对话。从腾格尔在内蒙古到现在40年的音乐里，我思考一位艺术家如何长盛不衰。方力钧在20年前都是很成功的艺术家，到现在如何不衰？他为什么一直能够成功，尤其是他这两年展览很频繁，他每次做展览，都给人一种艺术家的创造性和职业性的强烈感。例如：他把杨超的形象画了10多幅，但方力钧把每一幅都当成一个陌生人去画，每一幅都特别给人感觉到一种艺术家在表达对象的时候，这个对象在艺术家心目中不是一种模式、概念化。这就是一个艺术家！艺术家面对每一天看待一件事物的时候永远都是有一种陌生感，有一种陌生感才能有一种表达和创造的激情，这是值得我去学习。

我这几年创作很多作品，无论是在以前的湖北还是回到西安，都是油画和水墨的方式去创作作品。通过方力钧这个展览对我的启发有几点：第一，一个艺术家怎样在这个时代里边有自己艺术表达清晰的语言和视角的先进性，否则你画了一生画，你画的画是落后的，画的是和这个时代的先进性没有什么关系，你不能总是让中老年人去看你的展览，你能不能激活青年人看你的作品？青年人从看你的作品里如果仍看到的是传统的影子，那人家就去博物馆的原作前看，看你的画有何意义呢？如果要让人看你的时代性你又不能装嫩，你必须清醒把握对这个阶段时代性的认知，也就是如何让自己的作品有时代的先进性，然后表达出这个鲜明时代的创新与自由的语言。

第二，通过方力钧的作品，无论是他的版画还是他的水墨，以及他的各种各样的陶瓷与空间艺术，他都有一条脉络。他可能语言形式有变化，但艺术思路都是关注于人性的点，他画的这么多头像，每一个头像里面都有丰富的人性东西在里面，而不是一个个标准的肖像画。这里边不用看300多幅，只要看其中一个肖像就可以从里边看到了那个人物在这个时代的生动状态。包括我们看方力钧画的杨超的巨大的头像水墨，而且杨超的水墨头像和其他的头像是不一样的，他把杨超这个人淋漓尽致的通过这种大尺幅与许多小尺幅作品呈现出来，这种呈现是方力钧看到杨超本体的时代性，作品中有很强人性的东西，这是方力钧对人性深刻的表达。

第三，通过方力钧的作品，带给我的启发就是对于人生的社会思考。方力钧是一个成功的人，方力钧的社会性已经被放大了，一个伟大的艺术家，肯定就是带有很强的社会性。我的社会性的感官还需要再强大，我在这方面有一种不足，因为不足肯定就会使你的画面、以及一种很强烈的未来的社会认知的反应强烈性不够，就是我自己的社会性还要加强，让自己在西安、国内和世界的社会性更加的明晰。

独立艺术家 邵泳

近二十年中国社会飞速发展，已经跨越几个阶段，不同于西方的艺术形态，中国当代艺术家需要从脉络和线索的各个时间段来看，方力钧的几个艺术阶段发展可以看作独特的中国样板。如果在一个更广阔的方面看，媒介、材料这一块的手段和方法，并不是最重要的，他涵盖艺术家本身的创作状态，已经多角度的来阐述自己艺术背后的精神主题，而精神无疑更突出，方力钧就是这样。在当代水墨领域，可以扩展到装置或者影像等等，也可以表达水墨的广义精神。就西安或者其他某些地域，多元化的艺术生态，不能渴求一个群体特别大量的参与当代艺术这个事情，我们也去其他一些传统文化的大省参加活动，也是一批少数机构，包括美术馆，包括官方的文化集团也是大力支持在推动这个事情。西安美术馆和杨超馆长在西安这十几年来，为西安的当代艺术生态做出了巨大推进工作，也对我们当代水墨的工作积极支持推进，我个人也表示特别感谢。同时我也感谢一下武小川院长，当时我在纽约做个展的时候，武院以实验艺术系的提议给我安排在西安美院做了一个讲座，也让我好多年后回到母校，我在这里表达特别感谢。

刚才几位老师谈到西安的当代艺术生态，艺术家的创作状态，我做为一个职业艺术家觉得没有悲观，在西安，在全国各地也罢，一个地方有传统的、有当代的生态，大家有一个开放的平常的多元艺术生态。而西安作为中国水墨重镇，各个年龄阶段的当代水墨艺术家也在不断涌现，从西安，到全国，国际上陆续的亮相，也为西安这座城市的当代水墨贡献了力量，当然这里面是杨超馆长专业的水准和持续的推动，让西安当代艺术坚持扩大了影响，不仅在全国，在国际上一些知名的美术馆也建立了合作，使得西安和西安美术馆的当代艺术专业影响力受到极大关注。武小川院长总策划的这一届忙罢艺术节，在国内也受到极大关注。现在杨西等八零后一代的专业策展人，九零后的留英艺术管理策展专业的杨墨白，已经为西安当代艺术专业策展发挥着自己的特长，西安当代艺术当下的脉络、线索等等正在清晰，我们城市的艺术生态方面逐渐成长。19年我在纽约个展期间，看了同期纽约七十年代、八十年代的一批艺术家制作，在上个世纪的抽象表现主义影响全球后，当下纽约的艺术创造能力也在逐渐消退。而中国50、60年代的一些艺术家走向世界，也是那个时代曾经最好的。今天无论是中国还是全球都在变化和多元，我们也不要想象以曾经的方式、曾经的面貌来再次实现，今天的会议现场汇集了西安最好的当代艺术推动者、批评家、策展人、艺术家，有这样的艺术水准群体，这样积极的面貌，西安当代艺术生态一定会愈来愈好，最后祝贺西安美术馆成功的引进了方力钧水墨大展，为西安的当代艺术在这个夏日又受到全国的广泛关注。

王风华

西安美术学院副教授、艺术家

关于方力钧老师的展览，因为以前看过他很多作品，比较熟悉，也是伴随着我们学画多年的一种记忆。但在展览现场还是有很多感触。

我说一些我的感受，很多人多少年一直只做一件事情，但能不能做好还很难说。我把自己对艺术的一些思考和大家分享一下，也是我的一点理解吧。我认为当代绘画艺术可以分为三段境界。第一种是用别人的话讲别人的故事，比如说有一个画家他用怀斯的语言方式画了一个西藏的小姑娘，画得很好，技术一流，但是这个语言方式不是他的，他讲的这个故事也不是他的，如果那个小姑娘是他的是情人，可能就有说服力了。这位画家编织了一个动人的场景，只能说明技术很好，就像用流利的英语讲莎士比亚小说。观众会很佩服高超的技术。当然这种绘画观众很多，美术史中也不乏大家，我觉得也挺好；而第二个境界是用别人的语言讲自己的故事，比如有的人用费舍尔和弗洛伊德的语言的方式讲了一些自己故事，画自己周围的人和自己时代的图景，我觉得也很好，至少比较真实。而我认为更高的境界属于用自己的语言讲自己的故事。我们看到的大师都是这样子，创造了只属于自己的语言系统。今天我们看到方老师的作品，他有自己的话语方式，讲着自己的故事，作品图像一看就是他的，好坏留给后人评说，至少他是在这个境界层面上说事。

我看方老师这个展览中那么多的肖像，我倒没有兴趣说这个是画的谁？那个是画的谁？我认为这个都不重要，其实只有他自己知道那些人和他有关系。我们看正因为弗洛伊德和模特各种各样的关系，使得他的画那么深刻。我想他是不会在教室里随便画一个模特的，所以这种关系很重要。方老师画了这么多的面孔，都是他的朋友，有各种的交集，有情感，所以画这些人物不是画模特，其中有他们的故事。当然他很早就拥有了自己的绘画语言系统，也有着明晰的主题线索，这一点特别难得。至于水墨概念中的线条怎么样，笔墨怎么样，这个东西不在讨论范围之内，因为人家也不是追求那个东西，我觉得看这个展览还是很兴奋的，我私下也跟他有过交流。

再说职业精神，我认为这是最基本的，一个艺术家必须要有职业态度，比如只是礼拜天画画那种业余的状态。是不可能成就今天方老师的样子，当然还有老天爷给的那种敏锐的天赋，缺一不可。我认识的有成就的艺术家都有这样的品质。

正在展出

人间仙境——方力钧水墨

2022.7.16-2022.10.16