毋庸置疑，在过去的一个世纪中，欧美的舞蹈帝国被彻底颠覆了。关于舞蹈表演，我们首先想到的是：叙事情节、华丽的服装、戏剧的布景设计、古典乐谱和与之对应的传统。而时至今日，当你观赏舞蹈时，则会更想要理解舞蹈所诉说的故事，而不是单纯的疏离式观赏。
那么如下，就让我们一起去看看当代舞蹈的那些事，包括舞蹈编导、舞蹈历史学家和其他专家的见解，以帮助我们解开今天的艺术形式。
什么是现代舞？
徜徉在海滩的鸟，默斯坎宁安舞蹈团 尼克劳斯·施特劳斯(1991年)摄。
当提到“现代舞”时，我们要说什么呢？虽然这个词主要用于美国和欧洲的主流舞蹈，但也可以用来指从嘻哈到非西方民间舞蹈或部落舞蹈仪式等等任何形式的舞蹈。更广泛地说，它指的是第二十世纪中期开始出现的舞蹈模式。
舞蹈编导莫里雅·埃文斯(MoriahEvans)解释道，现代舞其实包含无数文化、经济、社会和时间上的细微差别，把“现代舞”理解为“功能性集合”可能更好。加州大学洛杉矶分校舞蹈编导兼舞蹈学者苏珊·福斯特(SusanFoster)警告说，不要试图为“现代舞”拼凑出一个严格而快速的定义。“你总结出这些总括性的术语，”她解释道，“还有很多人对现代舞依然有截然不同的想法。”于是，那些试图对当代舞蹈进行分类的尝试几乎都是无疾而终，部分原因在于我们无法解释个别舞蹈形式那独特历史背景。“不是每个舞者都能享受到当今世界的‘时代’，”舞蹈学者诺米·所罗门强调。在今天的研究中，所罗门继续说，“舞蹈制作人正在寻找解决问题的方法，包括：“移动或被移动意味着什么？”“谁动，谁静？谁被迫移动？而其他人则保持不变？韵律如何与现实中的劳作相交叉？”。从本质上说，舞蹈也是一门短暂的艺术。“舞蹈常常被誉为一种消失的艺术，仿佛舞蹈没有留下任何有形的痕迹，”所罗门说。“许多当代舞者都真正参与了这个问题，即舞蹈在时间中留下了什么？”。我们可以看到，舞蹈回避了明确的定义，就像它不会被“当代”这个词所束缚一样。
玛莎·格雷厄姆，给世界的信
1940年的美国和欧洲的传统在很大程度上决定了当今西方对舞蹈的理解，包括定义什么是舞蹈的标准。但自从第二十世纪初现代舞蹈开始发展以来，这些指导方针就一直受到质疑。
当今的美国，现代舞被广泛认为是纽约朱德森舞剧院探索的产物。在那里，舞蹈的视野超越了“舞蹈的定义”，而是“舞蹈的外延”。
关于北美现代舞起源的讨论几乎总是可以追溯到从第十九世纪末，现在的纽约、旧金山和洛杉矶等文化中心，依然对现代舞的起源争论不休。
源于现代舞蹈强大的母系血统，伊莎多拉·邓肯(IsadoraDuncan)掌舵。在十九世纪初，邓肯以舞蹈作为表达灵魂的媒介，推动了对韵律的重新定义，并与杂耍表演的流行相竞争。她强调让内心的生活变得清晰，打破了围绕舞蹈的主流观念，例如舞蹈应该严格以叙事为基础，以娱乐为导向。玛莎·格雷厄姆(MarthaGraham)进一步阐述了这一观点，将表达性的运动。出于对反重力的兴趣，她放弃了芭蕾舞鞋，而开始赤脚表演，这在当时是史无前例的。
邓肯和格雷厄姆的创新为其他激进舞蹈实践的形成创造了空间。她的学生默斯·坎宁安避开了格雷厄姆的教导，与20世纪50年代的视觉艺术界进行了直接对话。他和约翰·凯奇是终身的合作者，就像作曲家把音乐重新定义为声音，坎宁安把舞蹈重新定义为运动一样。他把看似普通的动作融入到作品中，运用偶然性的元素，同时去掉了音乐背景。这些探索表明舞蹈可以是任何东西。
在美国这个以白人为主的实验舞蹈社区中，编舞和舞蹈家阿尔文·艾利(AlvinAiley)从20世纪50年代末开始为非洲裔美国人发声。他的创新舞蹈集现代舞蹈、芭蕾舞和美国黑人文化潮流的影响为一体，同时结合爵士乐、布鲁斯和福音音乐。后来，艺术家推动的舞蹈集体——犹太教舞蹈团于1962在格林威治村成立，其特点是舞蹈和生活的激进交融。其中的著名艺术家包括伊冯娜·雷纳、特里莎·布朗、罗伯特·莫里斯、露辛达·奇尔兹和卡罗莱-施内曼。
贾德森舞蹈剧院对身体的重新想象再次释放了舞蹈，“被视为一种将非舞蹈者纳入编舞实践的手段，将舞蹈的形式与日常的动作和广泛的文化问题联系起来，”所罗门解释道。其中具有影响力的作品为舞蹈进入当下的各种形式铺平了道路。
在欧洲，现代舞被定义为20世纪80年代开始出现的实验性舞蹈形式。与美国形成对比的是，欧洲人在芭蕾舞领域之外的实验舞蹈历史较少，尽管在整个二十世纪，舞蹈制作人一直在突破古典形式的界限。
同样重要的是，在欧洲国家，把舞蹈作为一种艺术形式的发展比在美国有更多的经济投入，这也是为什么当代这个词在欧洲可能占有更大的比重的原因之一。在美国，开创性的舞蹈总是有系统地、明确地拒绝古典的表演模式，而在欧洲，这些传统却成为新作品的素材。例如，欧洲的前卫舞，得到了戏剧骨干的大力支持。例如二十世纪早期，巡回的巴黎舞蹈团“巴列茨·罗斯突破了叙事的规范，并在使用了震撼因素，包括色情情节等。
莫雅·伊文思：塑造，表现观点，雕刻家，纽约，2018年。
在上世纪20年代的包豪斯，实验与舞蹈成为一个跨学科的事情，舞蹈是把艺术作品中（“艺术”的总的工作）的生活，通过服装，灯光，音乐，各种表演元素和舞台的融合，将戏剧性推崇到了极致。
舞蹈的欧洲轨迹看到了动作的简化和情感的增强。这是舞蹈巨匠皮娜鲍什（Pina Bausch）的贡献，从上世纪70年代初的舞蹈剧场直到她去世，皮娜鲍什一直在舞蹈中加诸情绪元素，用极具戏剧性的表演，让情感超越叙事。
大约在同一时间，作为斯图加特芭蕾舞团的编舞，威廉·弗西斯改造的芭蕾舞，改变传统芭蕾的轮廓，以反映新的愿景的实践，结合传统与创新的思路编排，服装，音乐，和集设计制定一些原创的东西。Forsythe的事业已经扩展到视觉艺术，在那里他探索的概念编排。
舞者安妮特蕾莎De Keersmaeker继续将这些非叙事倾向以及日常活动中融入创作，用常人的模式进行重复。由于对韵律的极致需求，她的舞蹈在视觉上产生了强烈的感情。
当代舞蹈与表演艺术有什么不同？
Foster说：“人们通常认为跳舞是一种运动艺术，它用运动来表达身体。”但它与表演艺术有什么不同呢？
随着一些舞蹈变得更加跨学科，与表演艺术的重叠已经区分了21个反复出现的难题。所罗门解释说：“这种混乱意味着这些实验实践有着共同的关注点，包括“身体作为艺术材料的一种自反性方法”和“它能持久和产生时间和效果的体验的方式”。“表演艺术的重点在于时间的持续，这与舞蹈对动作的质疑密切相关，这常常导致时间的拉伸（或压缩）。”
转回到贾德森舞蹈剧院（这是现代艺术博物馆2018秋季展览的主题），在演讲、电影和实验音乐与舞蹈作为一种不安的期望交织在一起，我们可以识别的黑暗起源。然而，Foster会挑战舞蹈的界限。同样，伊万斯将鼓励跨学科的观点，并摒弃限制从业者从事舞蹈或表演艺术的“身份分裂”。
如何看待当代舞
鉴于这种对当代舞蹈的大问题的简要介绍，我们可以找到一种新颖的观看舞蹈的模式，可能最初对于未受过训练的眼睛来说，难以接受，但一定要记住，Foster所说，舞蹈反映了我们是谁。她说：“我们正在移动身体，舞蹈使它比以往任何时候都更为明显。”
认识到自己在舞蹈中的视觉挑战性有助于降低期望与现实间的隔阂。在此基础上，我们作为观众，可以根据动觉的移情理论，提出舞蹈是一个双向的对话，与我们所有的感官相连接，“使我们的感觉到身体在空间中与他人的关系，”所罗门解释。
超越理解的内在成分，观看更多的舞蹈将及时地允许我们对我们所目睹的事物得出正式结论。重要的是要记住，舞蹈表面上是一种视觉上不和谐的体验。
如果一切都失败了，那就要感到欣慰的是，像Foster这样受人尊敬的学者也同样对舞台上发生的舞蹈感兴趣，就像酒吧里发生的那样。她说：“舞蹈是一种可以告诉你一些关于身体是什么或可能是什么，以及人们之间的社会关系的完全启发性的东西。”。
来源：artsy.net
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