想象一下，你在可以一瞬间看到光谱中所有的颜色，然而接下来你却只能看到黑色和白色。你一定会认为你错过了什么，但实际上灰色只是对现实的一种简单的想象。
几个世纪以来，画家们故意将其艺术中的色彩净化，以达到更加微妙和复杂的效果。从扬·凡·艾克(Jan Van Eyck)、伦勃朗(Rembrandt)和英格斯(Ingres)，再到德加(Degas)、毕加索(Picasso)和格哈德·里克特(Gerhard Richter)，艺术家们在黑白的世界中不断进行着创作和再创作，来完善他们的作品。
“人们认为是20世纪的抽象艺术家最先转向了黑白画，但几个世纪以来，画家们都是伟大的色彩主义者，并彻底地被他们的调色板所限制，”第一个探索这个主题的大型展览共同策展人莱利亚·帕克(Lelia Packer)说。
展览有大约70幅画，其中许多是来自世界各地的机构和私人收藏，伦敦国家美术馆的“单色：黑白画展”证明了在没有色彩的情况下画作能够有多少的展现力。
这一过程的开始，正如其他西方教会中的艺术一样，在12世纪，西多会僧侣开始限制彩色玻璃窗使用的颜色，以减少感官刺激，鼓励人们更多的专注于冥想。几个世纪后，在早期的北方文艺复兴时期，虔诚的信徒会在四旬斋期间将布铺在他们的涂有颜色的祭坛上。幸运的成员可以用涂成灰色或中性色调的百叶窗掩藏他们色彩丰富的艺术。
展览最早的作品之一是佛兰德大师汉斯·梅姆林(Hans Memling)用一套橡木面板制成的便携式阿尔塔尔片，它的特点是用两个纯灰色图像呈现出类似凿刻的石像效果。模仿雕塑确实是应对“放弃颜色”这一挑战的一个巧妙的方法。
《天使报喜》(大天使加布里埃尔;Virgin Mary)(1433 - 1435)
帕克表示这也是意大利文艺复兴时期画家和雕塑家之间激烈竞争的核心问题。“(那时候)有一个著名的辩论，叫做“比较轮”，即艺术之间的对比。米开朗基罗和莱昂纳多都就这一现象发表过自己的观点。大多数时候，雕塑家批评画家只能在二维空间中进行表现。”
而画家们则用黑白画来进行回应，用这种方式来展现在光和影应用中是如何形成立体感的。威尼斯画派画家提香(Titian)把这个想法应用于画作《一个女人的肖像》(约1510 – 1512年)，这幅画展示了一个看似雕刻在石头上的女人半身像。
多年来，模仿雕塑这一手段被广泛应用于室内设计，以产生时尚的效果，同时用绘画技艺模仿石头不需要过多花费。事实上，一些画家选择用单色来复制彩色画作作为炫耀的一种方式。它证明了他们有掌握光和没有颜色的阴影的技能。法国新古典主义大师让·多米尼克·英格雷斯(Jean-Dominique Ingres)在完成了被誉为有史以来最著名的裸体女性之一的《大宫女》(1814年)之后的几年里，他以黑白两色的方式展示了他对阴影绘画技艺的掌握。帕克说:“这是一种更好的理解光线在各种表面产生不同效果的方式。”
随着印刷术在16世纪和17世纪的传播，艺术家们明白，如果能将画作进行复制，那必然会吸引更多的观众。因此，在制版工人的指导下，画家们开始把彩色的杰作变成黑白的，他们需要把这些图像转化为印刷媒体的线性设计。
但到了20世纪，当毕加索(Picasso)、沃霍尔(Warhol)和里克特(Richter)等艺术家开始使用黑白技术来模仿机械打印的产品时，这种做法的另一面就出现了。
巴勃罗·毕加索，《宫女》(公主玛格丽塔玛丽亚) (1957)
毕加索在《格尔尼卡》(1937)这样的画作中临摹了新闻纸。但他同时也受限于他的调色板，他模仿了例如：1957年的《宫女》(公主玛格丽塔玛丽亚)，这是画家迭戈·维拉斯奎兹(Diego Velasquez)58幅抽象画作的一部分。把场景还原成黑白分明的对比和黑暗，狂乱的线条。“他画得很快，”帕克说。“他在回应他伟大的前辈，并试图超越他，这是一场竞争。”
如果没有像弗兰克·斯特拉(Frank Stella)这样的20世纪激进分子的作品，单色艺术的展览就不会完整。他在画布上涂上黑色珐琅漆，以表明他们不是幻觉的窗户，而是一种实体。还有贾斯培·琼斯(Jasper Johns)，他把人们熟悉的标志变成了灰色(如美国国旗)，借此使这些标志陌生化，以实现更为明显的讽刺意味。后一位艺术家的代表是一幅创作于2007年的拼贴画，类似于绘在木制百叶窗上的石板。
格哈德·里希特，《海尔格·马图拉与她的未婚夫》(1966)
“所有的光线都变成了灰色的阴影，”帕克解释说。“这是你的眼睛感知颜色的方式。”埃利亚松(Eliasson)在展览的目录中解释说，我们目的是让观众的眼睛看到的比平常多。他写道，我们的眼睛“在黑白照片中会比彩色图中像发现更多的灰色阴影。”“很显然，几个世纪以来，艺术家们一直是明智的。”“单色：黑白画展”将于2018年2月18日在伦敦国家美术馆展出。
