同样重要的是，在欧洲国家，把舞蹈作为一种艺术形式的发展比在美国有更多的经济投入，这也是为什么当代这个词在欧洲可能占有更大的比重的原因之一。在美国，开创性的舞蹈总是有系统地、明确地拒绝古典的表演模式，而在欧洲，这些传统却成为新作品的素材。例如，欧洲的前卫舞，得到了戏剧骨干的大力支持。例如二十世纪早期，巡回的巴黎舞蹈团“巴列茨·罗斯突破了叙事的规范，并在使用了震撼因素，包括色情情节等。
莫雅·伊文思：塑造，表现观点，雕刻家，纽约，2018年。
在上世纪20年代的包豪斯，实验与舞蹈成为一个跨学科的事情，舞蹈是把艺术作品中（“艺术”的总的工作）的生活，通过服装，灯光，音乐，各种表演元素和舞台的融合，将戏剧性推崇到了极致。
舞蹈的欧洲轨迹看到了动作的简化和情感的增强。这是舞蹈巨匠皮娜鲍什（Pina Bausch）的贡献，从上世纪70年代初的舞蹈剧场直到她去世，皮娜鲍什一直在舞蹈中加诸情绪元素，用极具戏剧性的表演，让情感超越叙事。
大约在同一时间，作为斯图加特芭蕾舞团的编舞，威廉·弗西斯改造的芭蕾舞，改变传统芭蕾的轮廓，以反映新的愿景的实践，结合传统与创新的思路编排，服装，音乐，和集设计制定一些原创的东西。Forsythe的事业已经扩展到视觉艺术，在那里他探索的概念编排。
舞者安妮特蕾莎De Keersmaeker继续将这些非叙事倾向以及日常活动中融入创作，用常人的模式进行重复。由于对韵律的极致需求，她的舞蹈在视觉上产生了强烈的感情。
当代舞蹈与表演艺术有什么不同？
Foster说：“人们通常认为跳舞是一种运动艺术，它用运动来表达身体。”但它与表演艺术有什么不同呢？
随着一些舞蹈变得更加跨学科，与表演艺术的重叠已经区分了21个反复出现的难题。所罗门解释说：“这种混乱意味着这些实验实践有着共同的关注点，包括“身体作为艺术材料的一种自反性方法”和“它能持久和产生时间和效果的体验的方式”。“表演艺术的重点在于时间的持续，这与舞蹈对动作的质疑密切相关，这常常导致时间的拉伸（或压缩）。”
转回到贾德森舞蹈剧院（这是现代艺术博物馆2018秋季展览的主题），在演讲、电影和实验音乐与舞蹈作为一种不安的期望交织在一起，我们可以识别的黑暗起源。然而，Foster会挑战舞蹈的界限。同样，伊万斯将鼓励跨学科的观点，并摒弃限制从业者从事舞蹈或表演艺术的“身份分裂”。
如何看待当代舞
鉴于这种对当代舞蹈的大问题的简要介绍，我们可以找到一种新颖的观看舞蹈的模式，可能最初对于未受过训练的眼睛来说，难以接受，但一定要记住，Foster所说，舞蹈反映了我们是谁。她说：“我们正在移动身体，舞蹈使它比以往任何时候都更为明显。”
